miércoles, 31 de agosto de 2011

Moby, un artista diverso

Por Loli Barilari | Arte

Ya no es novedad. Cada vez aparecen más proyectos en el que se combinan múltiples formas artísticas. La fusión de sensibilidades plásticas con el buen gusto musical, o la creación literaria con potentes ilustraciones dejan de ser simples producciones complementarias, para comenzar a ser necesarias. ¿Un concierto sin visuales? ¿Una muestra sin música? ¿Un libro sin una buena tapa? Casi inevitablemente, los consumidores (y los artistas) eligen gozar del arte en variadas conexiones.

Así lo entendió el mítico compositor de música electrónica Moby. Tras su fuerte paso en los 90, el artista norteamericano vuelve con un trabajo fusión. El pasado 28 de julio presentó un disco que combina música, fotos y textos de su autoria. 


Titulado Destroyed, se trata de una edición de tapa dura, publicada por Damiani, en la que se recogen 55 fotografías tomadas por el artista durante sus giras en diferentes partes el mundo. A tono de diario íntimo, es posibe pasear junto a él y vivir sus sensaciones en el trasfondo de intensivos tours. Largos períodos de tiempo en masiva y ajetreada compañia, pero en total soledad y reclutamiento, dieron fruto a una obra multidisciplinar. 

"I believe she is the nun of the future.", Toronto.
Quizás esto es lo más interesante del proyecto: compartir fugaces pasos por el mundo, la felicidad, la adrenalina, la emoción, la nostalgia, el cansancio, los amaneceres, los aeropuertos, los aplausos, y otra vez una solitaria habitación de hotel. Poder mostrar este lado del show y hacerlo a través de música, palabras e imágenes, es la apuesta que debemos reconocerle al músico. Fiel a su perfil activista (es miembro de diferentes organizaciones de conciencia anticapitalista, promueve la música como terapia, y se adhiere a la vida naturista), Moby presenta un trabajo que abre su mirada autoreferencial y la hace pública. Sin entrar en debates de gustos y calidad, ya que esto puede ser visto como un simple capricho del artista en mostrar sus fotos, lo cierto es que Destroyed presenta un recorrido sensible sin revoques ni maquillajes.

"On one hand i find quasi-empty regional airports to be disconcerting.  but i also find them to be strangely calm and beautiful. it’s like everything has just ended and will stay this way forever". Viena

"Another picture with only 3 elements. something about reductionist simplicity is very comforting to me. i also like the idea of telescopes looking at an empty ocean", Barcelona.

Para seguidores de Moby y aquellos que quieran conocer sobre su propuesta, les dejo un imperdible de Destroyed. Su página web, nos regala un mapamundi musicalizado, con un recorrido a gusto del consumidor.
Si de viajar se trata, esta puede ser una buena opción. 
Destroyed. The Broken Places 

lunes, 29 de agosto de 2011

Las últimas del bloque Hyperestático!

THE DOWNTOWN FICTION - Thanks for nothing
Disco: Let's Be Animals (album debut)
Trio de Fairfax, Virginia, USA, formado en 2008



CALLING ALL CARS - Reptile
Disco: Dancing With A Dead Man (segundo disco)
Banda de Melbourne, Australia formada en 2006


THE LIVING END -Song for the lonely
Disco: END IS JUST THE BEGGINNING REPEATING 
Banda de Melbourne, Australia formada en 1997

viernes, 26 de agosto de 2011

Sangre para todos


Por Juliana Rodriguez | Tevé

A tono con la moda de series históricas, se estrenó hace unos días Spartacus: sangre y arena, la serie sobre el gladiador tracio que transcurre en Roma. Creada por Steven S. DeKnight (Smallville y Ángel) y producida entre otros por Sam Reimi (El Hombre araña), la serie narra la historia del célebre Espartaco, el guerrero tracio que es reclutado por los romanos y traicionado por ellos, esclavizado, vendido como un gladiador a las huestes del entrenador de luchadores, Batiatus, contra quien finalmente se rebela. 
La serie forma fila y a la vez toma distancia de otras ficciones históricas como Roma o Los Borgia y también sigue el camino de películas como Gladiador y Troya. Porque cada capítulo de Spartacus es una producción de sangre, sudor y lágrimas. Sobre todo, sangre: escenas de batallas y luchas cuerpo a cuerpo, hay primeros planos de carne lacerada, miembros amputados y la misma técnica de "rocío de sangre" del filme 300. Y las escenas se terminan, siempre, con un fundido en rojo. En medio de todo, el sexo. Como Game of thrones, Spartacus promete tantas cuotas de sangre como de sexo en cada episodio, en escenas que se presentan con la misma crudeza de épocas antiguas. Andy Whitfield es el actor australiano musculoso y viril que da con el perfil, aunque no podrá seguir en la segunda temporada de la serie porque le diagnosticaron cáncer. 
Miércoles, a las 23, por el canal FX.

domingo, 21 de agosto de 2011

Mocktails: nueva moda en tragos y vida saludable



Por Lourdes Benegas | Gastronomía

Mocktails es el nuevo término de moda para referirnos a los tragos sin alcohol, antes conocidos como “virgin drinks” o bebidas vírgenes. El termino nace de la unión de “mock” (simulado) y cocktails, lo que se traduce en una simulación de un trago. En épocas en donde cuidarse el cuerpo es tendencia, estas recetas de tragos nos ayudan a incorporar líquidos y jugos de fruta al cuerpo, a no consumir alcohol y a disfrutar en bares sin caer en la culpa o en resacas innecesarias al otro día. Son una alternativa ideal para las embarazadas que disfrutan y gustan de salir a recorrer bares y, por qué no, para vedas electorales. 

Apple and albahaca: un trago ultra fresco y lleno de color verde. En un vaso corto machaca unas diez hojas de albahaca junto con una cucharada de azúcar morena y el jugo de un limón. Luego llena el vaso con hielo molido y completa con jugo de manzana verde recién exprimido. 


Colada tropical: en una licuadora mezclá unos cubos de hielo con cuatro partes de jugo de ananá, dos partes de leche de coco, una parte de jugo de limón y una tajada de ananá. Serví esta versión alternativa de la piña colada en una copa de vino. Delicioso! 

Smooth Cosmo: para las amantes de los cosmos y de “Sex and the City”. Con la ayuda de una licuadora o tu mixer mezclá cuatro partes de jugo de arándanos con una parte de jugo de lima, una de almíbar (para el almíbar mezcla partes iguales de agua fría con azúcar en la licuadora, re simple) y una parte de jugo de pomelo. Serví este trago en una copa cóctel, esas famosas copas de Martini que seguramente duermen en algún aparador de la casa. 

Sunrise: la versión no alcohólica del tequila sunrise. Llena un baso corto con cubos de hielo. Volcá en el vaso dos partes de jugo de naranja, una parte de jugo de limón, una parte de granadina y una de soda. Adorna tu trago con una tajada fina de limón. 
Sunrise

Estas son sólo algunas recetas pero la variedad de tragos disponibles es increíble. En los mejores bares de Córdoba los tragos sin alcohol están vigentes aunque a veces no figuren en la carta. Tomen a estos como alternativa, hay vida mas allá de las gaseosas lights y las aguas saborizadas para quienes no tomal alcohol. Cheers! 

viernes, 19 de agosto de 2011

Coolhunters: cruzando fronteras.

Por Nadia Ruffener | Moda

Hoy por hoy es un hecho que la opinión de los coolhunters tiene un peso en el mundo de la moda, los cazadores de estilo en las calles se han vuelto un icono, una referencia tanto para las grandes firmas como para todos los que consumimos moda; los blogs son consultados día a día por miles de personas que encuentran inspiración tanto para crear una colección como para decidir que look vamos a usar mañana cuando amanezca.

Götgatan, Södermalm. By The Sartorialist.    
El protagonismo de los coolhunters y bloggers de moda es innegable, tanto así que cada vez son más las marcas de ropa que los utilizan como protagonistas de sus campañas publicitarias (Mango lo hizo en su campaña de verano), los invitan a diseñar colecciones capsulas (Garance Dore para Petit Bateau y Moschino) o bien son gurúes de lo que va a venir. La moda está en la calle de eso no hay duda…
Yvan Rodic, coolhunter y creador del blog, ahora web Facehunter fue uno de los convocados por ARMANI para retratar la campaña de marcos de anteojos de la marca italiana.
Frames of Your Life es un nuevo concepto en campañas de moda. En vez de recurrir a modelos famosos y a un estudio de fotos, Armani decidió convocar a más de diez coolhunters del mundo quienes, diseminados por el globo, se encargaron de fotografiar la campaña en la calle, recurriendo a gente común para que posara y protagonizara esta novedosa propuesta.

Stockholm. By Face Hunter.
A finales del 2010 los coolhunters salieron a recorrer sus respectivas ciudades tomando fotografías de gente común pero con estilo, usando las gafas de Armani; tras varios meses de trabajo, el resultado final de Frames of Your Life se presento a fines de junio de este año en el Palais Royal de la ciudad de las luces, con increíbles criticas y muy buenos resultados.
Para ver un poco de lo que se trato esta campaña, acá les dejamos el video del backstage filmado por Yvan Rodic y las fotos de esta novedosa propuesta.

THE FRAME


Frames of your life continuara en el 2012 y seguramente más empresas se sumaran a esta tendencia mundial, a estar atentos que ya los frontrows de los desfiles están colmados de coolhunters y las calles también, quien sabe, quizás vos seas el próximo elegido!


Compartimos con ustedes los blogs de moda  de algunos de los coolhunters IT del momento…

Sartorialist (Scott Schuman)  New York
Garance Dore (Garance Dore) Paris
Facehunter ( Yvan Rodic) Paris
Jack and Jill (Tommy Ton) New York
Just Jared (Jared Eng) Los Angeles
ShowMeYourWardrobe (Jackie Dixon) Londres
Katelovesme (Pelayo Díaz) Barcelona
Leblogdelamechante (Eleonore Bridge) Paris
Tina Loves (Tina Leung) Hong Kong
LesMads (Natalie weiss) Berlín

martes, 16 de agosto de 2011

La traición de los trailers

Por Georgina Vorano | Cine


Lo que pensábamos que era el hermano tonto o la tía mentirosa de las películas, no sólo es un formato específico con sus propias reglas, autores y empresas dedicadas, sino que hasta tiene sus propias instancias de consagración. Estamos hablando de los trailers, esos retazos vivos que bordean la realidad y la ficción y nos conducen -muchas veces aunque no nos demos cuenta- hacia las películas.
Es sorprendente encontrar que existen al menos dos premiaciones para los mejores trailers de la industria: The Golden Trailers Awards y The Key Art Awards.



En los Golden Trailers de junio de 2011 ganó el premio principal “Red social”, así como el de “musicalización” y el "más original”, posiblemente porque tiene un coro con la paradigmática canción “Creep” de Radiohead e incluye imágenes del propio Facebook, pero quizás lo más destacable es su increíble dinámica: cuenta toda la historia (sin contarla) con escenas mínimas y diálogos directos, palabras justas, momentos indicados y un timing que podríamos calificar de grunge (además de que Jesse Eisenberg, después de “Adventureland”, haría ganar cualquier cosa en la que aparezca). 

Todavía hay más…


La cosa no termina ahí, hay categorías de todo tipo como “Romance”, “Video game” y hasta una que se llama la “Trashiest”, que sería algo así como el mejor trailer de la peli más “basura” o clase b (que no es lo mismo). Este último se lo llevó un film absolutamente desconocido, por supuesto, pero con un trailer de lo más cautivante: “Hobo with a shotgun 'Red Band'”




Mejor póster extranjero
Si con eso no alcanza, hay premios para los spots de tv (que son distintos de los trailers, básicamente más cortos) y para los posters de películas, fascinantes. Parece que en la industria poco queda sin premiación, quizás pronto el sindicato gastronómico consiga premios para los mejores platos del plató. 


Satisfacción (I can´t get no) 

Si ya a esta altura sospechamos que los trailers se las traen, no nos sorprenderá enterarnos de que Joe Dante (director de “Gremlins”) decía que la primera regla para hacer un trailer era contar el argumento de la película incluso aunque no fuera cierto. Esto nos da una pista para entender porque a veces podemos sentirnos un poco defraudados. 

Pero más allá del puro marketing, la desilusión puede llegar igual aunque la fidelidad se conserve. Y eso porque entre sus especificidades se cuenta una muy particular: en ellos es más importante lo que falta que lo que muestran. 

Para seducir, el trailer insinúa, convoca a la fantasía. Es que muchas veces lo que falta en lo que vemos es el anzuelo que despierta el deseo. Y de esa no podemos escaparnos, por más honesto que sea el trailer, la posibilidad de desear se sostiene en lo prohibido y en lo que nos falta. Desde ese momento, la promesa de satisfacción en la que se convierten nunca será plena y totalmente colmada. Menos eterna. 
Pobres trailers, siempre pueden traicionarnos aunque no lo pretendan. 


Más info: 
- Daniela Kozak: “Segundos de fantasía” en Lamujerdemivida Nº 51

lunes, 15 de agosto de 2011

Castillos en el aire

Por Juan Pablo Duarte | Cine

El barro no permite asentar buenos cimientos, pero hay momentos en que es ése el único terreno que el mundo tiene para ofrecer. Entonces aparece la tentadora posibilidad de edificar castillos en el aire. 
El cómic, ese elemento mítico de la cultura de masas, debe su origen a la empantanada economía americana de los años treinta. En un país tambaleante, dibujantes creaban mundos de fantasía y miles de lectores los devoraban con fascinación. 
Por aquellos años, transcurrió la Edad de Oro del cómic. Jerry Siegel y Joe Shuster creaban desde DC Cómics a Súperman, el primer superhéroe de la historia de la humanidad, y las editoriales les pedían más y más de estas criaturas. 

Algún tiempo después, Jack Kirby y Joe Simon creaban el Capitán América en tinta y papel. Estados Unidos, que aún no se recuperaba de la crisis económica, ahora tomaba parte en la Segunda Guerra Mundial agudizando sus problemas de desempleo y pobreza. Ningún terreno hubiera sido mejor para aquella historia sin demasiadas pretensiones, que se leía fácilmente y prometía un buen refugio en la fantasía por solo 10 centavos. 
Aquél primer número de marzo de 1941 vendió ochocientas mil copias. El Capitán América fue un ingrediente esencial para que Timely Comics, la editorial de Martín Goodman que luego pasaría a llamarse Marvel Comics, viviera su momento idílico. 
Hoy, luego de crisis y recuperaciones más o menos cíclicas, Marvel Entertainment hace estallar la taquilla en los cines de todo el mundo, con la historia del origen de este superhéroe patriótico.

Cocido a fuego fuerte

La faceta humana del superhéroe, Steve Rogers, crece en La Cocina del Infierno. Este lugar, a diferencia de los espacios netamente ficcionales que pueblan los comics, tiene existencia real y antes de formar parte del circuito turístico de New York tuvo una reputación, una mala reputación: era conocido desde finales del siglo XIX como el más bajo y sucio de todo el distrito de Manhattan.
Por si fuera poco, Steve queda huérfano de niño. Es menudo y débil pero aguanta todo; es noble y decidido, tiene coraje y no retrocede ante la adversidad, pero con eso no alcanza para superhéroe. Cierta tozudez y arrojo forman parte de las características humanas que no abandonarán a Steve y lo pondrán en riesgo a cada momento haciéndonos temer por su suerte. Pero, para que la historia perdure, tenía que pasar algo más, algo que lo hiciera “super”. Después de todo, el pibe tenía madera, así que uno de los científicos del Ejército de Estados Unidos, el Dr. Abraham Erskine (Stanley Tucci), lo transforma en super-soldado administrándole un suero.
Del otro lado del atlántico, el Capitán América despacha soldados nazis sin arrugarse el traje. Red Skull (Hugo Weaving, el malvado agente Smith de Matrix) es el único que le da batalla. Él también tiene poderes sobrenaturales, es muy inteligente y quiere dominar el mundo.
Al igual que el Capitán América, Red Skull tiene un origen humilde. Creció huérfano, pobre y dueño de un infinito resentimiento. Hitler lo saca de su trabajo de botones de hotel para habituarlo a los quehaceres del mal. Luego adquiere habilidades sobrehumanas a través de procedimientos semejantes a los que se somete Steve Rogers. Ambos son individuos peligrosos. Ambos son un producto de la ciencia. Uno representa el bien; el otro, el mal.

No es necesario decirles quién gana, lo que resulta llamativo es la atracción que genera hoy una historia tan simple. Su éxito en los cuarenta se atribuyó a las virtudes propagandísticas que adquiría el personaje en el contexto de la Segunda Guerra Mundial; quizá se diga que el de hoy se debe al 3D.

La fórmula del éxito

Los más de sesenta millones de dólares que la película recaudó a unos días de su estreno en EE.UU y el gran éxito que está teniendo en Latinoamérica, conduce a repensar un poco acerca de la eficacia de este tipo de relato. El mundo es otro, la dirección del film y los efectos visuales están lejos de ser excepcionales y sin embargo el público responde.

Que gane el bueno y que lo haga en nombre de los más elevados valores humanos, que el malo sea fácilmente identificable y, en definitiva, que exista alguien capaz torcer el rumbo de las cosas para que sean como imaginamos que deberían ser, es una fórmula cuya eficacia puede a veces prescindir de la creatividad y el talento quien la ponga en práctica.
Con el tiempo, la arquitectura de los cómics fue complejizándose hasta tornarse laberíntica. Además de la Edad de Oro, el cómic conoció otros periodos. La Edad de Plata, con nuevos superhéroes y universos narrativos. La Edad de Bronce, en los que se mostraba la fibra social y las angustias de estas criaturas indestructibles. Finalmente llega la Edad Moderna con ese mundo en el que el bien y el mal se entreveran inextricablemente dando origen a Superhéroes tan complejos y geniales como aquel Batman: The Dark Knight Returns acuñado por Frank Miller.


Capitán América “El Primer Vengador”, elude todo esto y vuelve al origen, siguiendo el ejemplo de aquellos primeros comics books. El film no plantea complejidad, originalidad ni innovación, simplemente edifica el castillo en el aire que estamos acostumbrados a recorrer y en el que no corremos ningún riesgo de extraviarnos.

jueves, 11 de agosto de 2011

Crear, el mejor antídoto

Por Loli Barilari | Arte

Todos queremos estar bien. Hoy intentamos no sólo combatir dolencias físicas, sino también resolver cuestiones emotivas y estados de ánimos, la ansiedad, los miedos, o la violencia. En este punto, la medicina (o más bien algunos médicos), y la psicología, se animan a reconocer que el trabajo práctico sobre las emociones resuelve cuestiones profundas que nos atormentan. Así, afirman que el acto de crear una obra de arte nos permite expresar sentimientos de manera natural, y nos aporta gran vitalidad. El arte se presenta como una opción que, a su fin estético y social, se le suma una capacidad sanadora y "altruista" de hacernos sentir bien. 

"La noche estrellada", Vincent Van Gogh. 1889. Vista pintada por el 
pintor desde su cuarto en el sanatorio donde se recluyó al final de sus días.

El arte como terapia

Jean Pierre Klein, psiquiatra francés y director de teatro, es considerado el padre del Arteterapia. Él asegura que “toda persona es creativa", y que la necesidad de crear es un impulso innato que nos hace sentir vivos y ayuda a nuestro bienestar. Según Klein, el arte estimula la capacidad imaginativa de toda persona, actuando además como un medio de expresión y satisfacciónEn este sentido, podemos decir que el arte es esencial para el desarrollo intelectual, emocional y mental de todos. Realizar una obra de arte nos invita a imaginar, explorar, transformar. La obra es un medio con el cual se puede tratar un problema de una manera indirecta y menos agresiva, convirtiendo lo molesto en algo agradable. No se destruye, sino que se construye.  


Jean Pierre Klein
El origen

Esta nueva función del arte tiene su origen en la posguerra europea. El inglés Adrian Hill (1895–1977), un artista que convalecía en un hospital, liberaba su nostalgia y sus angustias pintando. Comenzó a compartir con otros enfermos los efectos que ejercían sobre él esta actividad. Resultó que a algunos pacientes esto les sirvió para poder comunicar por medio del dibujo o la pintura los sufrimientos que habían vivido en el campo de batalla. Al terminar la guerra, Hill trabajó en el hospital convirtiéndose en el primer terapeuta artístico. 

"Uno entre muchos", Adrian Hill. Carbón y tizas, 1974.
Sin embargo, el reconocimiento del arte como una terapia complementaria es relativamente reciente. Hace aproximadamente dos décadas se lo considera una disciplina independiente, incoporándola como asignatura en centros y facultades de medicina de todo el mundo. Hoy Estados Unidos es el país en donde se encuentra más desarrollada su aplicación.

Arte en bruto

La producción artística permite crear metáforas sobre un problema. La obra es capaz, por un lado, de aportar información muy valiosa acerca de nuestro mundo interior, pero a su vez ofrece un aspecto catártico y pone su énfasis en la espontaneidadNo importan los saberes artísticos o técnicos, todos podemos crear. Y de allí nace el Art brutel arte producido por individuos ajenos al mundo artístico. Jean Dubuffet acuñó este término en 1945, y afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Este pintor francés se separó de la concepción sofisticada del arte para trabajar desde un lado más humano y real. Decía que era imposible competir con los niños y los "locos", quienes crean puro arte. Dubuffet prefirió un arte menos lindo pero más humano, y que todos podemos crear. 

Pintura de Jean Dubuffet


Para todos los gustos
Todas las actividades artísticas poseen cualidades terapéuticas como la relajación y la diversión, pero hay diferentes formatos cuya aplicación terapéutica dependerá de cada caso.

martes, 9 de agosto de 2011

H&M … la nueva alianza!


Por Nadia Ruffener | Moda

H&M no para de sorprendernos. Hace poco tiempo nos enteramos de que Donatella Versace se uniría a la ya extensa lista de diseñadores que han colaborado en sus colecciones, recordemos que Lanvin (de la mano de Alber Elbaz), Karl Lagerfeld, Sonia Rykiel, Stella McCartney, Roberto Cavalli, Victor and Rolf, Madonna y Kylie Minogue son quienes comprenden esta lista de lujo.
La colección de la italiana será parte de la temporada otoño invierno 2011 y estará dentro de poco en las tiendas. Estimamos que, como ya ha sucedido con las colecciones de estos grandes de la moda, las prendas tardarán sólo unas horas en volar de las perchas y H&M, la madre de la moda lowcost, arrasará con los récords de ventas nuevamente.


Pero como ya lo dije… las sorpresas no nos dan respiro, ya que la próxima gran alianza fue anunciada hace unos pocos días, la nueva colección de primavera verano 2012 estará a cargo nada más y nada menos que del chico lindo del fútbol. El blondo David Beckham será el próximo diseñador en intervenir para la mega empresa sueca.
Si bien Beckham fue la cara y cuerpo durantes varios años -junto a su mujer Victoria Adams ex Posh Spice- para la línea de underwear de ARMANI, esta vez hará mas que posar para H&M. El ex jugador viene hace tiempo queriendo expandir sus horizontes y evolucionar a un hombre de negocios, y decidió hacerlo en el ámbito de la moda, trabajando en conjunto con un equipo de diseñadores. La colección de Beckham saldrá a la venta en el mes de febrero, ¿será capaz David de dejarnos tan atónitas como lo hizo con el anuncio de ARMANI?
Sólo nos resta esperar unos meses y veremos con que nos sorprende… lindo, exitoso, padre de familia, y ahora diseñador… ¿es Beckham literalmente un chico 10?

lunes, 8 de agosto de 2011

The dangerous summer - War Paint

Por Karina Mana | Rock



THE DANGEROUS SUMMER es una novela de Ernest Hemingway. También es una banda de Maryland, formada en 2006 por AJ Perdomo en bajo y voz, Cody Payne y Bryan Czap en guitarras, y Tyler Minsberg en batería. Su primer show fue en un pequeño bar en un sótano en New York para 5 personas, una historia similar a tantas otras. Su debut fue el EP There Is No Such Thing as Science editado en 2007 por ellos mismos, agotando su tirada en pocas semanas.
Después de un año de girar con artistas como The Starting Line y The Ataris, el EP llegó a los oídos de Hopeless Records, con quienes grabaron el primer álbum Reach for the Sun en 2009. Están influenciados por el lado más melódico del college rock de la izquierda del dial, como Jimmy Eat World y Something Corporate. En War Paint, su segundo disco, tomaron un giro hacia las melodías nostálgicas y reminiscentes de la épica U2 de los 80, y bajaron a un medio tiempo donde cada canción parece encerrar otra historia por debajo que vale la pena escuchar más de 2 veces. Su primer single le da nombre al disco: War Paint.

Thursday - No Devolution

Porn Karina Mana | Rock
Formados en 1997 en la ciudad de New Brunswick (New Jersey) por el cantante Geoff Rickly, los guitarristas Tom Keeley y Bill Henderson, el bajista Tim Payne, y el baterista Tucker Rule, THURSDAY siempre fue uno de esos proyectos de rock alternativo difíciles de clasificar. Comenzaron tocando en fiestas clandestinas en sótanos y casas abandonadas en la zona de NJ y New York, junto a bandas como Midtown, Saves the Day y Poison the Well. En su carrera han evolucionado y evitado más etiquetas estilísticas tocando tanto con The Cure como con Cursive.
Desde su debut, Full Collapse (1999), hasta su primera edición para un sello grande War all the time (2003), la banda siempre favoreció más la experimentación de sonidos y capas de guitarras y ambientes, que el golpe certero y más digerible de sus pares post-hardcore.
No Devolución es su 5to disco, y THURSDAY eligió una vez más el autodesafío. Entraron al estudio sin previos demos ni ideas, y al cabo de una semana ya tenían el álbum compuesto. El resultado es mejor escucharlo uno mismo. Acá van con el 1er single Magnets Caught In A Metal Heart.

lunes, 1 de agosto de 2011

Paz Chasseing | Pinturas | Jueves 4 de Agosto

El día jueves 4 de agosto inaugura la muestra de la artista Paz Chasseing presentando su obra más reciente. Se trata de una selección de pinturas de la Serie IV, donde el estudio de la aplicación del color y los vestigios del diseño cartográfico dan como resultado una obra descreída y exigente. 


La muestra tendrá lugar en La Cúpula Galería de Arte / Media Lab, con dirección de Jorge Castro, curaduría de Susana Pérez y producción de Majo Arrigoni.



Inauguración: Jueves 4 de Agosto 19.30hs
Live set Gustavo Sierra + Eze Esley.
Horarios de visita: Lunes a Sábado de 17.00 a 20.00hs
Cierre: Sábado 20 de Agosto
La Cúpula: Humberto Primo 14 Dpto. 7 Córdoba - Argentina

Apoyan este evento:
- Vermol pinturas
- Distribuidora Americana S.A.

Outsourced: tercerizados

Por Juliana Rodríguez | Tevé

Outsourced, en inglés, significa algo así como tercerizados, palabra que el corrector de Word insiste en cambiar como “mercerizados”, que vaya uno a saber qué significa, pero suena similar a “mercenario”. Y viene al caso. Outsourced es una comedia que se desarrolla en un sitio que los cordobeses de menos de 30 años conocen bien: un call-center. La historia empieza en EE.UU. cuando una gran empresa de atención telefónica decide mudar su central a India, donde “la inversión se reduce” (eufemismo que conocemos bien por “sueldos mínimos, explotación máxima”). Hacia allá parte el gerente general, a lidiar con su nuevo grupo de empleados indios, que intentan vender a clientes estadounidenses objetos que no necesitan. 

La comedia parece una combinación en TV de Hollywood y Bollywood, para comprobar que son lógicas de narración muy similares. El humor se basa en los malentendidos culturales, vistos desde los ojos del protagonista: los indios tratando de imitar los acentos de todo EE.UU., los indios escandalizados cuando él quiere comerse una vaca, él absorto por las diferencias de castas o los matrimonios arreglados. 
La idea, basada en una película anterior, parece buena, pero los resultados son flojos. Los personajes, arquetipos, no llegan a ser carismáticos y todo se resuelve en la corrección política: los estadounidenses imponen su idea de libertad personal, pero algo aprenden de las tradiciones ancestrales de India. Para tratar el tema del racismo en clave comedia, le faltan varias cucharadas de humor negro. Los capítulos son breves y sólo es recomendable si estás haciendo zapping y justo pasás por ahí. 

La dan los miércoles, a las 20.30, por Warner.